LIBÉLULA DE MUERTE

juanas | Miércoles, 3 de abril de 2013 | Sin comentarios |  |

 

 

Existieron varias comunidades indígenas, que al estar culturalmente cercanas unas de otras, pues habitaban el este de Arizona, noroeste de México, nuevo México, y regiones de Texas y de las Grandes Llanuras, se les denominó de igual manera a todos sus habitantes. Estos eran nómadas, se caracterizaron por su ferocidad y por una fuerte resistencia cultural como grupo. Eran grandes exploradores y conocían perfectamente su vasto territorio, el cual siempre defendieron tenazmente. Eran cazadores y recolectores de productos silvestres, se convirtieron en invasores de tierras pastoriles y agrícolas de otros grupos, hacían trueque y practicaban el pillaje para subsistir.

Su religión no estaba fuertemente estructurada, y la vida religiosa la dirigían chamanes. Nunca tuvieron una creencia organizada en el más allá, lo prioritario para ellos era la supervivencia, de ahí la importancia de los ritos curativos y la ausencia de una extensa teología, realizaban ritos relacionados con el ciclo de la vida, entre los que se incluía los primeros pasos de un niño y sobre todo la ceremonia de la pubertad.

Mirando el diccionario veo que hay una entrada muy interesante sobre el nombre de estas tribus, de las que se tiene constancia desde el año 1540 y que habían emigrado desde Canadá, desconociéndose los motivos.Transcribo lo encontrado – Malhechor de los bajos fondos de París- esto es lo que me ha interesado, lo que me ha llevado a escribir este relato basado en un hecho real, en la historia de nuestros antepasados, esa que está escrita con sangre y fuego, con terror y muerte y de la que nadie debiera sentirse orgulloso.

Después de una mala noche suele nacer un peor día, como es el caso de hoy, las bajas presiones se han instalado para quedarse en  mi cabeza dejándome sin fuerza para escribir, apenas me dejo llevar por el sonido del “clave” que suena y repiquetea en mi mollera, así que no soy responsable del desaguisado que estoy a punto de cometer en este rosario de palabras inconexas.

Ya en la cama, esta mañana esbozaba la idea, enlazaba cosas inconexas –como siempre- pero me resultaba chocante lo que pensaba, un sin sentido una vez más, no lograba hilar ni tejer una maraña que fuese entendible ni por mí mismo, era una suerte de majaderías, todas en formación militar y muy bien ataviadas, pero nada homogéneas, con lo cual era desastroso el resultado final de mis pensamientos. Con eso no podría montar un argumento capaz de convencerme a mí mismo y así encaminarme a trabajar normalmente, sin que las angustiosas nubes desbarataran otro aciago día.

A raíz de que estos pueblos fueron aniquilados, se puso su nombre a un animal, ya nadie podría  sentirse herido, pues nadie había, este curioso bicho, puede alcanzar una velocidad máxima de 320 Km. por hora y tiene una autonomía de vuelo de 1.800 Km.

Su  morfología aún siendo un tanto extraña, es muy versátil, ya que su vida gira en territorios muy hostiles, en los cuales tiene que intentar sobrevivir. Este iletrado puede volar en condiciones climáticas adversas, tanto de día como de noche, usando  aviónicas y electrónicas de última generación, como el sistema de adquisición y designación del objetivo, el sensor de visión nocturna del piloto (TADS/PNVS), las contramedidas infrarrojas pasivas, sistema de posicionamiento global (GPS) y el sistema de visualización de pantalla integrado en casco. Posee asientos blindados y fabricados de kevlar ligero por si tenemos la necesidad de hacer un viaje con él para comprender su forma de vida. Los ojos los protege por medio de unas gafas con cristales PPG, que están diseñadas para proporcionar un campo de visión óptimo.

Tiene dos estructuras alares en los laterales, cada una con dos pilones articulados inferiores y un punto de anclaje en el extremo. Con todo esto podemos ver que nuestro animalario queda completo, bien podría tratarse de una gran fiera antediluviana, pues sus medidas son de dieciocho metros de longitud y diecisiete metros de envergadura con sus alas desplegadas, cosa que sólo hace cuando vuela, además si no es suficiente su tamaño para amedrentarnos posee diversas formas de defensa y ataque, con su peso podría aplastarnos, pues con sus 5.165 Kg. y su altura de casi cuatro metros le resultaría facilísimo laminarnos a nosotros y a la gran mayoría de los animales presentes en nuestro mundo.

Pero, la pregunta no tiene respuesta para mí, porque no entiendo como le han puesto a esta bestia el mismo nombre que a un pueblo  que ya desde 1540, los primeros exploradores españoles de las tierras norteñas de la Nueva España emprendieron una larga lucha contra ellos. En 1598, Juan de Oñate, al tomar posesión de las tierras de Nuevo México, mandó dividir sus poblaciones para reducirlos, pero el esfuerzo fue en vano, ellos y otras tribus indígenas no se dejaron someter y decidieron quemar y destruir muchas poblaciones españolas de los territorios norteños de la Nueva España.

En 1825, el gobierno mexicano inicia un segundo periodo para pacificar a los apaches y unificarlos en poblaciones unidas, el cual fue un gran fracaso para los intermediarios mexicanos. Con el tratado de Guadalupe-Hidalgo de 1848, firmado por México y Estados Unidos, el territorio de los indígenas quedó dividido entre EE.UU. y México, provocando la dispersión del grupo y grandes descontentos contra ambos gobiernos. Las tribus se dispersaron por las tierras de Arizona, Nuevo México, Texas, Oklahoma, Chihuahua, Sonora, Coahuila, Durango y Zacatecas.

En 1928 el gobierno de México declara oficialmente extinta la etnia en territorio mexicano y las 3000 personas que sobrevivieron en tierra estadounidense fueron sometidas finalmente en reservas de los estados de Arizona, Nuevo México y Oklahoma.

Debe notarse la lógica diferencia entre la narración de los mismos hechos desde los tres puntos de vista diferentes, estadounidense, mexicano y de los propios defenestrados. Al analizar las crónicas de la época se debe tomar en cuenta las motivaciones y justificaciones de cada punto de vista pues todas son muy parciales.

Sin pararme a analizar ni a posicionarme en la historia ni sus crímenes sólo me queda preguntarme si realmente hemos aprendido algo, pues volvemos a tropezar una y otra vez en la misma piedra, todo sigue igual, nos matamos y nos aniquilamos sigue sin importarnos que todos somos iguales y hechos del mismo material y que no nos diferencia ni la cuna ni el lugar donde hemos nacido, pues todo es circunstancial.

Pienso y me entristezco pensando en la historia y sus brutales consecuencias, porque nuevamente los “apaches” son fuertes guerreros…

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Danaus plexippus

juanas | Sábado, 23 de marzo de 2013 | Sin comentarios |  |

 

 

El naranja es un color alegre, libera las emociones negativas, te hace sentir menos inseguro, menos penoso, más comprensivo con los defectos de los demás y te aporta ganas de perdonarlo todo, además estimula la mente, renueva las ilusiones en la vida y es el perfecto antidepresivo, pues nos da esa energía que necesitamos para llegar a crear todo aquello que deseemos y así lograr la felicidad absoluta.

Perfecto, necesito ser naranja, crear naranja, no puede ser tan difícil, desde este mismo instante quiero convertirlo todo en el complementario del azul, sentirme así de vivo, así de feliz, nunca hubiera imaginado que pudiera ser tan fácil, pintemos la ciudad de naranja, los árboles de azul…

No sería tan difícil lograr la paz mundial, con un sólo chasquido de los dedos podemos hacerlo, si cada uno de nosotros pintasemos una pequeña parcelita de nuestro hábitat lo habríamos logrado, sería magnífico si no fuera por un pequeño fallo, algo que me he encontrado un poquito más adelante en mi investigación sobre la felicidad y la armonía. Resulta que mi color favorito, aquel con el que iba a pintar mi vida, mi mundo, tenía una pequeña tara, ese contrapunto necesario para que todo funcione perfectamente, pero que en el naranja es tan controvertido, o al menos eso pienso yo que me deja sin argumentos para poder pediros que encalemos nuestra cúpula de ese color, para que cuando llueva ilumine nuestras vidas.

Como contrapartida el individuo con color naranja puede llegar a desarrollar unas cualidades totalmente contrarias a lo que deberían, es decir, puede convertirse en una persona manipuladora que hace lo que sea para conseguir cumplir sus deseos. Es por ello que en vez de querer ayudar a los demás, se vuelve egoísta y poco sociable.

Que desastre, que desilusión, acabo de perder mi nueva tonalidad, resulta que también puede ser todo lo contrario, – no seas naranja- podrían decirnos, y en mi caso no se equivocarían, esa acidez que me caracteriza seguro que me la infiere ese color, esa fruta. Ya no sé cómo arreglar este mundo, mi mundo, se me han caído los palos del sombrajo y no sé muy bien cómo focalizar esta nueva derrota, pero lo cierto es que tampoco podría ser tan fácil arreglar el mundo con unas pinceladas de color, eso ya se le habría ocurrido a alguien, pues a lo largo de la historia ha habido todo tipo de movimientos, partidos, marcas y personajes encarnados e inspirados en él, incluso en la guerra de Vietnam usaron una mezcla de herbicidas hormonales llamado “Agente naranja”, y todo ello con mi color favorito. Aunque sólo haya sido por unos minutos, he podido disfrutar de su fuerza y vigor, para luego dejarme arrastrar hasta el fondo de mis propias inmundicias. Si fuera naranja sería el peor de los naranjas, el más turbio de todos, sería un naranja fétido y desalmado, solitario y altanero, prefiero que nadie me vea así pintado con ese maloliente color que ha infectado mi cuerpo y alma.

Estaba triste, apesadumbrado, no pude captar la intensidad y las posibilidades de la confidencia que había llegado hasta mí, nuevamente estaba cegado y cerrado a todo razonamiento que me llegara por los cauces no autorizados por mi obtusa mente. Estaba frente a algo único y no supe comprenderlo hasta un tiempo después, cosa que ahora agradezco, pues ya estoy totalmente preparado para absorberlo y contaros la maravillosa historia que me ha pasado.

El aire se hacía irrespirable por momentos, y en esta ocasión no era una pesadilla, mi corazón no estaba oprimido por mi enorme pecho, no estaba bocabajo en la cama, pues mi posición era erguida, algo encorvado, pero en posición vertical, estaba mirando fijamente al cielo, pues presentía algo anormal a mi alrededor, el calor se hacia insoportable y la luz se estaba tamizando, perdían pureza los colores de todo lo que me rodeaba, no podría interpretarlo con palabras, pero lo cierto es que la situación se tornaba peligrosa y muy extraña. Ya el lugar se estaba convirtiendo en irreconocible para mí, todo era más grisáceo, estaba anocheciendo en pleno día, apenas podía reconocer ninguna tonalidad a mi alrededor, pero yo seguía allí quieto, intentando comprender aquello que estaba sucediendo a mi alrededor. Nunca hubiera podido correr aunque creo que no lo intenté, todo parecía un mal sueño, pues allí anclado tendría que esperar el fatídico desenlace, debía esperar que las fuerzas extrañas que me rodeaban me llevaran a esa otra dimensión desconocida que sabía que se abriría frente a mí en cualquier momento. Todo pasaba muy rápido, no podía pensar ni analizar la situación, me notaba confuso y acobardado, ya todo estaba terminando y yo allí quieto, inmóvil, absurdamente ni siquiera sudaba a pesar de las altas temperaturas a las que estaba siendo sometido.

Sólo cabía esperar, dejarme arrastrar por la marea que llegaría de un momento a otro, ese tsunami sería lo último que vería y nunca más podría escuchar a Mozart ni deleitarme con el grave y sonoro timbre de Cello, pensando que es la voz aguardentosa de una cupletista entrada en años llorando una triste melodía mientras lo arropa entre sus piernas.

Aquello que había empezado como un bonito día de campo se convirtió en algo difícilmente imaginable para cualquier mortal, la peor de mis pesadillas se enfrentaba a mí en plena vigilia. Pero aquel día no era uno más del año, estábamos en Noviembre, concretamente era el día de “Los muertos”, y eso era muy importante, aunque yo en aquel momento lo ignoraba, nunca olvidaré ese día.

-El Día de  Muertos es una celebración mexicana de origen prehispánico que honra a los difuntos el 2 de noviembre, comienza desde el 1 de noviembre, y coincide con las celebraciones católicas de Día de los Fieles Difuntos y Todos los Santos, se cree que los familiares fallecidos regresan a casa, donde se les honra con banquetes, celebraciones y elaboradas ofrendas. De acuerdo con la leyenda, las mariposas monarca que llegan a México en estas fechas son en realidad las almas de los fallecidos que regresan a este mundo. Hay registro de celebraciones en las etnias mexica, maya, purépecha y totonaca. Los rituales que celebran la vida de los ancestros se realizaban en estas civilizaciones por lo menos desde hace tres mil años.-

Nunca me había percatado de ese detalle, que un día como otro cualquiera tuviera esa trascendencia en la vida de muchas personas, incluso ya para mí también desde este momento en que estoy relatando mi profunda experiencia extrasensorial, sin poder transmitir todo aquello que percibí de manera clara y concisa, pues hay que tener en cuenta el estado en que me encontraba, debido a la situación tan extraña que estaba viviendo, aún así intentaré hacerlo de una manera clara y sencilla.

Finalmente pude comprobar el porqué de aquellos cambios tan espectaculares a mi alrededor, pues se trataba de una gran nube naranja, ese color que me perseguía desde el inicio del relato, se acercaba a mí de forma rápida e inexorable, me atenazaba y a la vez me excitaba, y cuando todo se cubrió de ese mar de nimbos agrios vi claramente que se trataba de algo que la naturaleza obsequiaba todos los años a los habitantes de México y al mundo entero, los bosques  se pintan de naranja en Michoacán, entre 60 millones y un billón de mariposas emprenden el viaje desde el Este de Canadá y hasta los bosques del Centro-Occidente que es el lugar donde vive mi amigo Teodoro Lavín León, que es un pintor expresionista y activista político muy comprometido, este gran luchador de las causas justas me ha revelado el secreto en un maravilloso libro cuajado de tricolores lepidópteros, esos que año tras año recorren casi cinco mil kilómetros para posarse en los templados bosques de su comarca.

Los algodoncillos que comieran las orugas de las” Danaus plexippus” se han convertido en papel, para que fielmente plasmara su vuelo, su migración, y en definitiva su vida y que así pudiera yo disfrutar aquello que lleva viendo desde su niñez. Pero además como escritor reconocido que es, entre el vuelo grácil de las monarcas me explica, me conduce y me lleva a través de su mundo, de sus mundos a ver y sentir todo el proceso del milagro. Su verbo lo transcribo  seguidamente:

 

 

        Migrante que baila entre las flores

        Mariposa que vuela y revuela sobre la nada

        Naranjas de vuelo intercontinental que surcan el cielo de América

       Valientes como naves de Avatar que enfrentan vientos diferentes

       Migración de América del Norte, de Canadá a México en el invierno

        Mariposas que danzan en mi bosque colgadas de ramas como pencas

        Llamarada de sol que inundas nuestros cielos

        Vibran, danzan en mi armonía sinfónica

 

     Así termina mi experiencia con el libro de las mariposas que va más allá de cualquier tratado que nadie escribiera.

 

 

 

 

 

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TODOS ESTOS AÑOS FUERON COMO UN DÍA

juanas | Miércoles, 20 de marzo de 2013 | Sin comentarios |  |

 

 

 

Benn

 

 

 

1905 . 1989

 

 

“Toutes ces annes furent comme un jour”

 

Y debajo, en una lápida más pequeña:

 

 

“La peinture c’est la vie”

 

“Ma vie c’est la peinture”

 

 

     Esto es lo que me encuentro en un blog de un artista español, y  que paso a traducir inmediatamente: Benn 1905. 1989 ” Todo estos años fueron como un día ” debajo, en una lápida más pequeña: ” la pintura es la vida ” ” mi vida es la pintura”.

     Me quedo helado y rápidamente me pongo en contacto con el autor de la página, su nombre es Lorenzo Forné y me comenta: “Entiendo que sabes donde está el Cementerio de Montparnasse. La lápida, como se puede ver en la foto, estaba por la parte central del cementerio, ya sé que esto no es decir nada pero creo recordar que era por aquella zona por la que también me encontré con la tumba de Julio Cortázar”

     Con estos datos me quedo y busco más información acerca de mi hallazgo, puesto que me ha resultado muy interesante y me topo directamente con la Escuela de París, que fue un grupo heterodoxo de artistas que trabajaron en París en el periodo de entreguerras (1915-1940) En ella hubo una gran diversidad estilística, sirviendo para englobar a artistas de difícil clasificación. Sin embargo, la mayoría estuvieron vinculados en mayor o menor medida al expresionismo.

     Me siento entusiasmado con la madeja que estoy descubriendo gracias a esta extraña lápida, unos artista englobados en esta escuela y que ya desde este momento adoro como si de un tótem se tratara, ya que todos y cada uno de ellos me llevan por mundos maravillosos, esos mundo en los que vivo, en esos que habitualmente lloro, sufro y disfruto. Lugares de acción, de devoción, pero también de angustia y dolor, mundos desolados y tristes. Inhóspitos para el resto de los mortales, pero muy vivos para mì, son mis paisajes, los lugares por donde transita mi vida y mi existencia, es allí donde moro, desde donde escribo, pinto y estudio, es mi jaula, mi extraña vida se desarrolla allí, la vida de eso hombre indescriptiblemente apasionado con todo lo que hace hasta el siguiente segundo, que es donde ya comienza a odiar lo creado, lo construido…

     Estoy extasiado con lo que leo, pues el término engloba a una gran variedad de artistas, tanto franceses como extranjeros, que residían en la capital en el intervalo entre las dos guerras mundiales. En aquella época París era un fértil centro de creación y difusión artística, tanto por su ambiente político, cultural y económico, como por ser el origen de diversos movimientos de vanguardia como el fauvismo y el cubismo, pero sobre todo por ser el lugar de residencia de grandes maestros. Que tiempo más hermoso debió ser ese, vivir en ese crisol de arte y cultura, que seguramente no estaría tan cerrado como son los actuales, aunque si  hubiese pertenecido a esa época nunca los hubiera conocido, por mi incapacidad de relacionarme durante mucho tiempo con nadie.

     Yo y mi forma de ver e interpretar la vida hace que me sea imposible mantener amistades, ni siquiera con artistas cercanos, a lo más que llego es a cartearme con ellos y así escribiendo, todo es más meditado, más pausado, siendo las interpretaciones también más abiertas, con más escapatorias, pues no suelo decir las cosas tan directamente para así no herir a nadie, pues las más de las veces escribo para mi, como terapia vital. Las metáforas lo inundan todo para que yo y nuevamente yo pueda flotar sobre esas aguas turbias sin miedo a ensuciarme con mi torpe verbo.

     Esa tumba, ese epitafio me ha hecho escribir estas líneas aprovechando este momento de entreguerras personales .En estos momentos de dudas con respecto a mi última obra, de mis inconclusos “peces solubles”. Ya llevo varias semanas esgrafiando sobre la pintura, raspando y retirando lo que alguien pegó en su día, liberando su masa para que floten sobre las azuladas aguas, que pueda elevarse hacia ese cielo que mira desafiante, mis peces se sienten atrapados en la tela de araña que tejí sobre ellos, esa red que me atrapa y me ahoga no los deja que sean libres, nos mantiene unidos hasta el momento final en que ellos puedan liberarse y nadar finalmente hacia su propia eternidad, que se sientan capaces de comenzar una nueva vida en la que yo ya nada tendré que ver. Mis queridos compañeros de viaje, esos fríos y apelmazados azules ya no volverán a estar unidos a mí, ellos nacieron para ser libres y por ello mantenemos esa feroz lucha desde el mismo instante de su nacimiento. Ellos se crearon así mismos con la ayuda de mis manos, se pintaron y finalmente se separan de mi con los cortes del afilado bisturí que porto diariamente, ellos me guían con precisión de cirujano para que pueda separarlos sin sufrir el menor daño.

     Espero y deseo terminar mi obra con el menor daño posible para mi persona y los que me rodean, esos animales pronto serán una nueva estampa que adornará una pared, otro amor abandonado a su suerte, es la triste vida de lo creado a mi imagen y semejanza, es el triste destino de mi obra.

    Comienzo la historia en un cementerio, con un epitafio y la termino con una cita de Vincent Van  Gogh: “Sueño mis pinturas y luego pinto un  sueño”.              

 

 

 

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YELMO PARA PECES SOLUBLES

juanas | Domingo, 24 de febrero de 2013 | 2 Comentarios |  |

 

 

 

            Las armaduras medievales fueron un elemento esencial para los caballeros de la Edad Media, resguardándoles ante las acometidas que pudieran sufrir, pues eran de metal y cubrían todo el cuerpo de los caballeros de la Baja Edad Media y principios de la Edad Moderna.

   Ese es el recuerdo que tengo y que quiero compartir, es un hombre con armadura, en lo alto de una colina, estaba al final de un largo sendero estrecho y pisoteado, dejaba ver bajo sus pies la húmeda tierra, roja y suelta, desgranada y limpia. El peso del guerrero con todo su atalaje había arrancado la verde hierba del camino, dejando tras de sí silencio y desolación. El resto del paisaje no podría describirlo, pues no ha llegado a estos días con tanta viveza, sólo me queda eso ese gran hombre ampliado por mi pequeño tamaño debido a mi corta edad. El estaba allí, en lo alto de la montaña, la luz estallaba sobre su pulido traje dañando mis sensibles pupilas máxime si tenemos en cuenta que acababa de entrar en el cine y mis ojos no se habían acostumbrado a la penumbra lógica reinante en el lugar.

    Allí estaba yo de pie mientras nos buscaban butaca, mi recuerdo no llega mas allá de esa imagen, no se quién me acompañaba, es quizá una de mis vivencias mas antiguas, también tengo la imagen de ese yelmo brillante, muy limpio que devolvía reflejos azules a la pantalla, unos preciosos celestes que pronto se rompieran en mil pedazos, en cientos y miles  tonalidades del espectro.

    Este ser era perseguido por alguien o algo (esto me hace ser prudente y pienso también que pueda ser un sueño recurrente, la verdad es que no podría confirmar ni una cosa, ni la otra), por tanto al llegar al final del camino, sólo le quedaba una opción para continuar su huida, y esta era la de lanzarse al vacío, hacia un cristalino lago que había bajo el sendero, pero tendría que arrojarse a él con todo el peso que portaba y así lo hizo, pude ver como se tiraba al agua y se hundía mientras llenaba toda la estancia de burbujas de aire, de tiras de agua de tantas tonalidades que incluso no podríamos imaginar, con esa magia que sólo nos da el cine y los recuerdos, mi sueño se hundía en la fría linfa mientras se desvanecía en la noche de los tiempos, pues allí, en ese momento desaparecen todos los recuerdos.

   Nunca he podido olvidar aquello, debió de impactarme tanto que aun hoy, que con más de medio siglo de edad lo recuerdo, sin miedo ni añoranza, sin pudor ni tristeza, sólo como un fotograma más de la trama de mi película, una pequeña tesela del mosaico de la vida, de mi vida.

   Me encuentro tecleando en mi ordenador, intentando escudriñar algo sobre mi recuerdo, sobre mi vivencia y si en algo me influyó, pero la verdad es que no consigo reconocer en aquello algo que pudiera relacionarlo conmigo, pero puede que no sea así, queda un pequeño resquicio por donde me pudo entra la luz, pues en mi faceta como creador frustrado hay algo que puede estar influenciado con mi armadura, con mis azules con el hierro forjado y con los pulidos aceros.

    Comenzando por esas tonalidades que sólo el mar, el agua, el cielo y sobre todo, todos juntos nos dan, las quiero plasmar en mi última obra pictórica, el lienzo más grande que jamás pintara, en mis “peces solubles”, allí es donde intento infructuosamente localizar esas burbujas de aire en el agua mientras se hundía mi medieval figura, esos hilos de agua retorciéndose sobre la armadura, esas fugaces luces que me cegaron. Azules, añiles y cobaltos entremezclados, colores tan amalgamados y ensuciados que destrozarían el alma de cualquier poeta. Blancos teñidos y gastados, argénteo color burdamente manchado con mis pigmentos, texturas lijadas rudamente hasta perder la consciencia.

   Nuevamente me encontraba en mi mundo, en mi pasado, en definitiva buceaba en mi subconsciente, y así de una manera introspectiva colocar otra pieza en mi caos interior, intentando reconstruir lo gastado por el tiempo y buscando lo perdido en la noche de los tiempos.

   Los azules están ahí, sólo hay que encontrarlos y recogerlos, luego de limpiarlos y organizarlos los colocamos en sus respectivos botes para repartirlos por la superficie a ensuciar y así ya con todo dispuesto nos encontramos con la pieza que nunca tuvo interés en salir al mundo y menos aun que nadie pudiera mirarlo y tocarlo impúdicamente como si de algo formal se tratase.

    Estudio forja en La Escuela de Arte de Granada, allí no hay colores, no hay azules, la luz no entra por sus grises ventanas ni hay vida, pues el fuego de la fragua  purifica todo. El paraje sombrío e industrial donde se desenvuelve mi actividad hace que resulte muy difícil diferenciar el arte de las estructura que por allí hay apiladas, puede que todo sea uno y por eso esa dificultad para discernir y separar lo uno de lo otro.

    Hace unos meses, cuando estaba realizando mi primera pieza, martilleando una chapa de hierro para darle forma en el tas, un profesor amigo mío, Alberto, se interesó por la pieza (es un buen pedagogo), según me dijo le gustaba la forma que le estaba dando y me dijo “lo próximo que hagas debería de de ser una armadura”. Así quedó todo, pero esas palabras me retumbaron durante largo tiempo en mi cabeza. Primero y sobre todo, porque se interesara por mi  trabajo primigenio, pero luego, pensé que no seria tan descabellado hacer un trabajo así, pues siempre me han llamado mucho la atención estas defensas medievales tan especiales.

  La idea se iba fraguando en mi mente, hasta que un día se lo comente a mi maestro de taller y este me dio vía libre para el trabajo. Ya sólo me quedó comenzar a darle forma en mi libreta, y después de algunos bocetos comencé mi yelmo, ese trabajo que realizo en estos días  y que llena mis tardes de colegio.

     Hasta aquí llegó esa tarde de cine, ese recuerdo que a día de hoy estoy dándole forma como pintura y como escultura. Después de todo puede que me condicionara mucho más de lo que pienso aquello que vi o soñé en mi niñez, algo que hoy comparto y que quizás algún día cuando ya no tenga memoria me pueda ayudar a comprender mi vida, mi pasado, y en definitiva a mí mismo.

 

 

 

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BLANCA ORAA MOYUA (II)

juanas | Lunes, 18 de febrero de 2013 | Sin comentarios |  |

 

 

Fruto del intercambio de libros nace esta segunda parte, ella puso la ilustración y yo el texto

 

                            BLANCA ORAA MOYUA  (EL PARTO)

 

 

        Nueve meses es el tiempo de gestación en el género humano, nueve meses es lo que ha tardado en ver la luz mi comentario sobre esta artista conceptual, es la segunda parte de la historia que ya comenzara hace tiempo, pero mas importante es que es el momento en que esta teniendo lugar el alumbramiento de los libros autobiográficos de mi amiga. Después de una larguísima gestación ya están encuadernando las centenas de cartones con sus fotos, con sus recuerdos y en definitiva con toda su vida. Tarjetones grapados, unos rasgados, otros finamente cortados, fibras de papel envueltas en un misterioso halo de misterio y desasosiego, de vivencias y desventuras, en definitiva, de vida amor y muerte.

   

 

    En este tiempo he podido seguir estudiando su obra, su vida y he leído todo lo que ha llegado a mis manos sobre esta creadora universal, sobre este espíritu inquieto. He paseado por su Bilbao y he conocido su ámbito natural. Ya sólo me queda imprimir todo lo visto y vivido en esto tiempo en un trozo de papel.

 

   Es la segunda parte, y en ella me ha pedido expresamente que analice la obra desde un punto de vista más objetivo y sin miedo. Analizo al artista, pero también tengo que ver a la mujer, a la madre que crea la obra. Comenzaré por dar otro repaso a su evolución artística para centrarme finalmente en esta última parte, en el producto final que está a punto de salir a la luz y el mundo entero podrá ver su “AUTOBIOGRAPHY ON CARDBOARD “, como ella la denomina, esta parte  de su obra es extensísima y está iluminada con importantísimos videos interpretados por ella misma desde la intimidad de su hogar y que edita diariamente para placer de todo aquel que quiera conocerla y acercarse a su obra.

 

   Comienzo con anotaciones que he ido recogiendo durante este tiempo, todas están documentadas y transcritas tal cual se encuentran en su blog y datadas para poder cotejarlas. En estos recortes  podremos conocer a la Blanca más íntima y cercana, está reflejada en su propio espejo y la podemos ver en todas y cada una de las facetas de su vida.

 

   

 

 

                   

TIPS

“Mis secretos para vivir a gusto

_practico el conocimiento de Prem Rawat y sigo sus enseñanzas

_no voy a funerales, ni a bodas ni a bautizos

_voy sola a todas partes y me largo cuando me da la gana sin despedirme

_hice voto de castidad cuando cumplí 50 años y lo llevo a rajatabla

_no trabajo por encargo

_no hago exposiciones

_para llevarme bien con mi madre le doy la razón en todo.

_para llevarme bien con mis hijos les hago comida

_para llevarme bien con mis amigas: _una vive en Barcelona
_otra vive en Madrid

                                                           _y la más cercana en Bilbao

_para que no me pongan multas: respeto la velocidad y aparco en parkings.

_respeto el refrán: “lo mejor es enemigo de la bueno”

_cuando el ordenador se estropea, pienso: será que conviene.

                                                           _otra en Bercedo”

 

11th June 2010

 

 

 

Stanley Brouwn

 

 

 

“Yo no tengo el problema de ser acosada por comisarios ni galeristas, pero he conocido esa sensación de  sentirme dueña de un público que por el hecho de comprar una pieza hecha por mi, se consideran con derecho a tener acceso a mi persona forzando una puerta que solo debe se abierta cuando eres invitado a hacerlo.

 

 

Yo conozco las mieles de la soledad de mi estudio y no las cambio por nada; no soy sobornable.

Vivir en mi propia compañía es el más alto estado de dicha que he conocido tras haber experimentado el ruido y la farándula.

 

Agradezco a Steve Jacobs que me proporcionara este Gadget  a través del cual tengo acceso a muchísima información.

 

La universidad se me ha quedado corta, ahora elijo yo mis asignaturas y no me examinan ni me ponen notas, solo disfruto aprendiendo.

 

Tengo intención de seguir aprendiendo hasta mi último suspiro y espero que ese exprese mi gratitud.”

2 julio 2012

 

 

 

 

HOMENAJE DRÁSTICO Y RADICAL A JORGE OTEIZA

 

“Dos personas han sido responsables directas de que mi práctica artística, hoy, sea digna de mi propio respeto:

Iñaki García Ergüin me enseñó todos los secretos de la pintura con una generosidad sin límites, me hizo partícipe de toda la alquimia de la que él había sido guardián desde El Greco hasta nuestros días.

Bajo su influencia empecé a estudiar BBAA, primera promoción en Bilbao y allí fui muy feliz, conocí gente maravillosa que era capaz de extasiarse ante un color casi logrado o una línea imaginaria.

 

Conocí a Jorge Oteiza y él me dio una palmada fuerte en la espalda mientras me decía:

 

AURRERA

 

Y además, me enseñó a vaciar el espacio o a llenar el vacío, a distinguir la luz de la sombra, a creer en Dios y sobretodo a creer en mi misma, que era lo más difícil.

 

No sé nada pero estoy segura de que Jorge e Iñaki han sido las dos personas que más han influído en mi formación artística.

De momento, éste homenaje va para Jorge.

No tengas celos, Iñaki, todo se andará, te puedo asegurar que soy

Agradecida.

BLANCA ORAA, en Delhi 29/03/05

 

 

después me fui a la india y allí también pintaban en las paredes pero sin urgencia

Eran poemas políticos

Gritos modulados”

 

 

 

4 Julio 2012

 

 

 

 

“Ser mujer es una maravilla pero para poder apreciarlo hay que estar en la consciencia plena del ser. Fuera de éste punto, profundo, sutil y escurridizo, lo aparentemente relativo a la mística femenina adquiere un tono opaco y doloroso.
Personalmente no estoy interesada en alimentar el lado esclavo de la mujer.

He probado algunos estilos de comportamiento en el que tienen cabida las mujeres, solamente por ubicarme ya que yo me considero un ser humano encarnado en un cuerpo de mujer y como tal me asocio o me asocian… quiero decir que no me queda mas remedio que representar un papel y ya que el de mujer me viene dado, lo acepto y a partir de ahí glorifico mi experiencia al precio que haga falta.

 

 

Llegar a sentirme satisfecha no ha sido un camino de rosas; ha requerido un esfuerzo extraordinario y todavía hoy en día, aunque mis ideas están claras, tengo que replantearme constantemente los límites que protegen mi dignidad.

Blanca Oraa en Getxo (fecha indeterminada)

(Texto empezado hace tiempo, no lo terminé y ahora no me apetece añadir nada, prefiero empezar otras cosas pero sigo pensando lo mismo).

Anterior a este texto escribí y antes todavía concebí”

 

Mi manifiesto feminista.

http://blancaoraa.wordpress.com/2008/01/31/la-mistica-femenina/

 

 

 

 

 

 

 

 

LA MISTICA FEMENINA

 

 

 

 

 

“Me gusta fijarme en las paredes.
Veo la historia escrita en las paredes.
Permanecen inmóviles, por lo que perciben y graban todo lo que sucede en su entorno.

 

Cuando voy en el metro también veo paredes que atraen poderosamente mi atención pero el movimiento me impide retenerlas y allí se quedan con su belleza y sus secretos.”

http://blancaoraa.wordpress.com/2008/10/23/paredes/

 

 

 

 

 

 

 


“Mi casa en si no es una casa al uso, es un espacio que se estira y se encoge dependiendo de las necesidades.

Habiendo ocupado lo que en un principio estaba concebido como salón para transformarlo en mi estudio, se gana espacio y se evitan las tediosas tertulias que no sirven para nada productivo: matar el tiempo (yo solo mato una cucaracha si se pone debajo de mi zapato y me cuesta, no por pena sino por asco).

La casa es redonda así que los habitantes, que en general somos dos y muy concentrados en nuestros asuntos,  podemos evitar el encuentro obligado con la distracción que supone saludar, despedir, preguntar…

Solo viene gente si está interesada en mi trabajo o para ver un video de PremRawat, soy muy exclusiva.

Cuando veo las decoraciones de Likainen me inspiran y me dan ganas de poner todo monísimo pero mi manera de ocupar mi tiempo está supeditada al ordenador, actualizar mis blogs, organizar los cartones, los libros de artista y ahora he añadido las visitas cotidianas  a mi madre que está acercándose a la despedida final y quiero disfrutar de ella. Aunque su físico está deteriorado su cabeza sigue siendo una máquina y además se ha vuelto mas cariñosa.”

 

http://blancaoraa.blogspot.com.es/

8 julio de 2012

 

 

 

Abstract 33×41

2 nov. 2012-

 


“Cuando veo  mis últimos cuadros abstractos, que expuse en Bilbao y en Guernica formando parte de una serie de series que tenían en común  el color y el formato mas bien pequeño. Me quedo embelesada ante la intuición que me llevó a pintar desde una concepción cuántica, cuando ni siquiera conocía esa palabra.

Hasta tales extremos lo hacía sabiendo que todo es uno y que cada uno es parte de esa unidad que incluso lo que escribía en los catálogos estaba relacionado con ese concepto.
Una de las series, de mayor tamaño, se llama engranajes.

Todos  los cuadros se salen del marco para unirse con los demás y con el todo.
Sin embargo se autocontienen porque la composición del cuadro sigue su dibujo por los laterales.

Cuando hice el video acababa de conocer la música de Stockhausen y me pareció adecuada para acompañar conceptualmente a mis cuadros.

Hoy en día, después de haber estudiado el libro “Noise and Capitalism” he cambiado de opinión. “

 

 

“hay video”

 

 

http://blancaoraa.blogspot.com.es/2012/11/abstract-33×41.html

 

 


“El azul Klein me recuerda al azul Bilbao.

Y el azul ultramar oscuro que es una especie de ambos azules es el que he empleado toda mi vida para manchar el blanco de mis lienzos.
Una veladura de azul ultramar oscuro mezclado con esencia de trementina.
Cuando está casi seco le paso un trapo y lo igualo.
Ya está preparado el fondo, jamás empecé un cuadro en blanco sin la veladura azul.
Ya sobre ese terreno en el que me siento segura, encajo con carmín de Granza mezclado con esencia de trementina y espero a que seque.
Cuando todavía esta fresco lo seco con un trapo y estudio la composición para saber si funciona.
Ya está.
Todo está listo para empezar a manchar los diferentes espacios a base de limpias veladuras mezcladas con lo colores elegidos mezclados con barniz de retoques.
Y así, despacito despacito porque el óleo tarda en secarse y el barniz más todavía, llegará un momento en que el cuadro me dice:

Ya has terminado, no me toques, déjame así.

Y yo le obedezco porque a estas alturas del proceso el cuadro sabe mas de si mismo y sus necesidades que yo misma.

Esa primera veladura azul que aparentemente quedó en el olvido es la que hace que, terminado el cuadro con diversos colores, todos formen una armonía que los enlaza.”

 

 

“En el terreno en el que trabajo la emoción reina, manda y ordena.

Todo el sentido de mi obra actual sale de mi corazón, de mis vivencias, de mis emociones, de mis relaciones, de mis sentimientos, de mis amores, de mis entrañas, de lo que nunca dije, de lo que mi timidez me impedía comunicar, de mis complejos, o sea, de un ser humano con el alma a flor de piel.
Y solo un ser humano que tenga el alma a flor de piel podrá sentirlos y aceptarlos.

Por descontado, he cuidado la parte técnica, la composición, el color…eso forma parte de mi expresión, de lo que yo siento y sentía.
Todo está engarzado.”

 

Posted 24th March 2012by BLANCA ORAA MOYUA

 

 

 

 

 

 

“Blanca Oraa

 

 

La Playa
La playa, cualquier playa, el lugar en donde la tierra se junta suavemente con el mar, evoca en mí maravillas: me siento más a gusto en la playa que en un barco mar adentro.
Los aperos de playa, los toldos, las sombrillas, las toallas etc., sugieren momentos de alegre pasatiempo, placer indolente, aire libre, estados
de bienestar que pertenecen a otra dimensión, cambio de ritmo. Una conexión con la naturaleza no bucólica sino desenfadada y estival. Cuando llega el invierno y se despoja a la playa de sus símbolos ritualistas y se queda desnuda, fría, quieta, sombría y solitaria, es como si hubiéramos pasado del yang al ying. Sigue siendo la misma playa y
sin embargo ya solo invita al paseo meditativo.
Las rayas azules y blancas provocan una sensación que no corresponde a un tiempo y/o un espacio concretos; hace muchos años que existían esas rayas en Deauville, Lido, Biarritz, San Sebastián,
Zarauz… Existen hoy y seguirán existiendo; pasan el tiempo y las modas pero la playa permanece intacta.
En esta serie de cuadros cuyo motivo está tomado de los toldos de Ondarreta he querido recordar la playa en el cálido verano.
Mis playas anteriores miraban las sombras proyectadas en la arena; mis toldos actuales miran al cielo y tratan de captar la brisa marina.
Vuelan.”
Blanca Oraa

 

 

 

http://www.flecha.es/Obras-de-Blanca-Oraa-expuestas-en-Feria-de-Arte-Flecha-2007/74/

 

 

 

 

 

Entrevista a:

             Blanca   Oraa [blancaoraa]

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ARTE

 

 

¿Qué haces? ¿Cómo te defines?

Soy una artista multidisciplinar; actualmente me dedico exclusivamente a mi blog.

 

¿Cuál es tu mensaje?

Estoy a favor de integrar la poesía en todos los ámbitos de la vida teniendo en cuenta que mi única meta es el conocimiento.

 

Tu biografía en cuatro líneas

Nací en Bilbao en 1946.

Estudié BBAA en la UPV y desde entonces me he dedicado a las artes plásticas, sobretodo a pintar, hasta ahora que me dedico al blog.

 

¿Cuelgas tu trabajo en la red? ¿Dónde podemos verlo?

Mi blog:

www.blancaoraa.blogspot.com

 

¿Cómo nace una idea? ¿Qué es para ti la inspiración?

Tratando de estar consciente en todo momento y atenta y receptiva.

Lo importante es mi bienestar y mi paz.

 

¿Qué papel juega la tecnología en tu proceso creativo?

Le tecnología es imprescindible en mi trabaja, pero hoy en día te lo ponen muy fácil.

 

¿Qué es arte?

El arte es sublimar lo cotidiano (entre millones de definiciones)

 

¿En qué circunstancias se te ocurren las mejores ideas?

Cuando estoy en paz conmigo misma y no me siento presionada.

 

¿Cuál es tu prueba del nueve para saber si una idea es buena?

No sé lo que es la prueba del nueve, lo siento.

 

Tres ideas creativas que te gustarían se te hubieran ocurrido a ti.

-las cajas metafísicas de Oteiza.

-Los objetos ready made de Duchamp.

-Los fieltros de Beouys

 

¿Cuándo, cómo empezaste a verte a ti misma como artista?

Desde mi más tierna infancia.

Quería ser pintora aunque fuera mala.

 

¿Por qué tantos artistas y creadores tienen personalidades volátiles?

Forma parte del entramado.

 

¿Te consideras postmoderna?

Soy incapaz de definirme.

 

¿Cómo se debe evaluar una obra artística?

En principio, es el tiempo el que lo dicta sin equivocarse.

 

El artista, ¿tiene que reinventarse cada día?

Tampoco es eso, el artista es un ser humano como otro cualquiera, simplemente desarrolla otros campos.

 

¿A qué artistas admiras y de qué manera influyen en tu obra?

A Oteiza, Richard Serra, Mattin…

Hay tantos.

Lo que más influye en mi obra de esos artistas es que siempre están trabajando.

No paran, de día y de noche.

 

¿Cuál es tu opinión sobre las subvenciones públicas al arte?

No lo sé. Nunca he recibido una subvención.

 

¿El arte auténtico es el arte necesario?

Definitivamente.

 

¿Te duele desprenderte de una pieza que has vendido?

En el primer momento no.

Al cabo de los años añoro piezas, me gustaría saber si están siendo apreciadas y tratadas como lo merecen.

 

¿Se compra la obra, o se compra más bien al artista?

Un artista difícilmente se vende.

Se compra la obra.

 

En arte no hay guía, ¿cómo sabes qué es lo próximo que debes hacer?

Tengo plena y total confianza en mis musas.

 

¿Te parece bien que gran parte de las obras que exhiben los museos de arte contemporáneo sean de artistas ya fallecidos?

Si, me parece bien.

 

¿Qué papel han jugado en tu trayectoria las figuras de marchante, representante, galerista, e intermediaros en general?

Me he sentido muy condicionada por ellos.

Ese es uno de los motivos por lo que soy tan feliz con mi blog.

 

¿Qué tipo de encargos te suelen hacer?

No acepto encargos.

 

¿Cuál de tus trabajos es el que más te gusta?

La video-performance:

”Conversaciones con Thomas Krens”

 

¿Coleccionas algún objeto?

No.

 

¿Qué portales online de arte frecuentas?

www.mattin.org

 

¿Qué aconsejarías a los que empiezan?

Dedicación, dedicación, dedicación y mucha humildad.

             

 

 

            © Blanca Oraa

Dirección Web de esta entrevista:http://www.whohub.com/blancaoraa

 

 

 

 

 

Lunes, 26 de diciembre de 2011

CARTONES AUTOBIOGRAFICOS VARIADOS

 

 


“La vide de un artista y su proceso creativo son inseparables.
Siempre.
Hablo por experiencia propia y ajena.
Llevo suficiente tiempo en este planeta y en este oficio como para haber aprendido a rendirme, a no ofrecer resistencia, a aceptar lo que viene porque yo voy detrás de la vida: ella lleva las riendas y aunque aparentemente yo soy la que toma las decisiones, lo hago por necesidad, movida por un impulso que no me pertenece.
Algo o alguien superior decide por mi y mi tarea es sencilla:
escuchar a mi corazón y estar atenta a los signos que aparecen en mi camino, reconocer las señales, obedecer, no entrometerme, no inventar nada, ser humilde y saber de antemano que lo que viene es perfecto para mi.

No voy a decir que sea fácil, nunca lo ha sido y me sigue costando.
Creer está bien, pero saber es mucho mejor y yo sé que todo lo que me llega es perfecto para mí, para mi aprendizaje y crecimiento.

No solo me refiero al terreno del arte sino a todo el espectro de mi vida porque mi trabajo y mi vida están íntimamente conectados.”

 

 

 

http://blancaoraapronobis.blogspot.com.es/

 

 

 

 

         Esta segunda parte sobre la vida y arte de Blanca Oraa Moyua  vino motivada por un intercambio, como la vez anterior, pero en este caso yo he recibido un cartón original de su autobiografía, estando yo obligado por mi parte a ser profundo e inflexible en mi aproximación a su obra, pués ella me ha pedido explícitamente que sea crítico y real a la hora de transmitir mis sentimientos y mi análisis.

   En las conversaciones que mantuvimos para concretar esta segunda parte y después de haber depurado unas líneas de la anterior me comentó algunas cosas que paso a relatar antes de hacer un análisis mas concreto de su obra, pués considero muy importante todo lo que ella me ha dado de primera mano para poder interpretar con más rigor su obra.

 

       29 de Junio del año 2012, ella me llamó a mi despacho a las 12:50, y entonces le pedí unos segundos para bajar el volumen de la radio que tenía encendida en la habitación contigua, ella me preguntó sobre lo que escuchaba, a lo que yo le respondí radio 3 de Radio Nacional de España (me dijo que a ella también le gustaba mucho)

 

 

-         Soy una persona muy radical, y he sido una niña sin lazos.

-         He vivido mucho

-         Vengo de princesita y urna de cristal

-         Tenía una página Web donde estaba toda mi trayectoria, pero ya no esta operativa

-         Se perdieron más de 1.400 videos y ya son irrecuperables.

-         Estoy vetada en un sitio web muy importante  en el cual los usuarios pueden subir y compartir vídeos.

-         No me dejan hablar de mi nieta, ni hacer ninguna obra en la que ella esté presente.

 

 

El día 6 de Julio publicó mi trabajo en: 

   http://blancaoraa.blogspot.com.es/2012/07/autobiography-on-cardboard-number-6.html

 

 

                                        BLANCA Y SU OBRA

 

 

 

      Partiendo desde los inicios de Blanca, esta  bilbaína nacida en 1946 aporta una gran carga de sinceridad y dinamismo a su obra, es valiente y extrovertida, tanto en su vida como en su pintura, gracias a esa intolerancia y a su rebeldía desde sus inicios en el difícil mundo del arte obtiene un gran prestigio entre sus colegas, el tiempo y su propia vida ha ido doblegando a esta enjuta niña hasta convertirla en lo que es. Digo esto en su justa medida, pues  es lo que siento y percibo sin ánimo de ofensa, pues en estos momentos en que tanto conozco a la persona y al artista, creo que me siento en un lugar privilegiado para poder opinar sin miedo a equivocarme sobre su obra.

   En sus comienzos recién salida de la Facultad de Bellas Artes de Bilbao obtiene un gran éxito con su obra, en esos momentos comienzan sus andaduras en el mundo del arte y del prestigio. Fueron sus rayas, esas que la llevaron al Olimpo de los artistas, pintó rayas hasta la saciedad, las rayas que ella misma describe:

 

 

“pintar rayas crea adicción

yo había empezado con el athletic

después las playas de Ondarreta y Zarautz

y seguí con las sillas de Brighton

termine pintando rayas azules y blancas”

 

 

http://www.blancaoraa.com/blancaoraa.net/webespa%96ol/trayectoria/oleosobrelienzo.htm

 

  Una parte de su trayectoria muy interesante fue la abstracción donde obtuvo algunos éxitos muy importantes, aunque de esa parte queda poco, pero muy interesante, es una pena que no continuara por esa senda tan experimental y personal, máxime cuando se trata de una persona muy espiritual y mundana a la vez. En esta etapa refleja a la mujer indómita que se esconde tras la dulzura de sus palabras. Ella misma escribió:

      “Antes de ir a California cuando vivía en Euskadi  me encontré en una encrucijada
cubrí con gesso todos los cuadros siguiendo un impulso poderoso
solo se salvaron unos cuadros pequeños abstractos que merecieron mi aprobación”

 

 

 

http://www.blancaoraa.com/blancaoraa.net/webespa%96ol/trayectoria/abstraccion.htm

 

 

 

 

     Directamente y sin pasar por todas las fases de su obra y sin tan si quiera intentar descubrir y desentrañar todos los recovecos de su recorrido artístico me voy a centrar en sus últimos años, en su obra más reciente, la que yo conozco de primera mano, pues me resulta totalmente imposible hacer un estudio honesto sobre una obra sólo viéndola en la pantalla de mi ordenador, no quisiera equivocarme en los colores, y menos aún en las proporciones de su obra o la sobriedad de su trazo, no podría divertirme conjugando su arte con mi verbo ni pintar su aura espiritual con mi pluma, mis pinceles estarían vacíos de color y nunca podría teñir de  tenues veladuras sus impolutos lienzos ni entrecruzar rayas verticales entre las suyas para convertir sus horizontes inmaculados en simples ajedrezados románicos.

   

     “cuando vivía en California no tenia estudio así que invente una técnica que me  permitiera expresarme con lo mínimo
sobre un cartón grapaba trocitos de papeles de diferentes colores siguiendo un orden metafísico que me dictaba mi intuición

En ingles grapas se dice staples y la grapadora es stapler por lo que a esa técnica la llame stapling
expuse en Beverley Hills
decidí no volver e exponer”

http://www.blancaoraa.com/blancaoraa.net/webespa%96ol/trayectoria/stapling.htm

 

 

    Esta  interesante cita de mi amiga me deja la puerta abierta para pasar a comentar la parte que conozco, la obra que he podido tocar y comprender, sus cartones intervenidos, su autobiografía, esto que está a punto de salir a la luz y que junto con la parte audiovisual es lo que más me interesa y de lo que aún no se ha hablado apenas, pues está trabajando todavía en ello. Ella está a punto de exponer y presentar esta monumental obra, ya le están encuadernado estos enormes libros en los que describe foto a foto su vida, recortes de periódicos donde podemos ver reflejados los momentos vividos, pero también algo muy importante y que puede pasar desapercibido, y que es que entre las fotos, entre los recortes de prensa grapa también su vida y sus miserias, nos presenta todo su actividad, la espiritual, la consumista y todo lo que hace en su día a día. Todos los productos que usa y come, esos envases sucios unas veces, rotos otras, nos indica que es lo que ella come, que ropa interior usa y que talla, e incluso podemos ver las caducidad de las medicinas que toma.

    En esta fase de su vida todo cuenta, todo es visual y táctil, su vida ya pasa a formar parte de la nuestra, conocemos su transformación de niña a mujer, hemos visto crecer a sus hijos, vimos como se formaron sus primeras arrugas, también sufrimos sus accidentes y sus desgracias, ella nos ha contado toda su existencia prendida en  grapas.

 

“Sigo trabajando en mis cartones, siempre dando vueltas a los mismos y van adquiriendo unas calidades poderosas que me deslumbran y me sorprenden.
A veces me pregunto si tiene sentido lo que estoy haciendo y la respuesta es: “tu sigue, ya veremos mas adelante cuando los libros estén encuadernados”.

De la misma manera que un cuadro que no está colgado para ser mirado y admirado no tiene sentido, algo parecido pasa con mis cartones autobiográficos: hasta que no están encuadernados no se puede saber si funcionan.

Así que, a sabiendas de que estoy corriendo un riesgo, yo sigo, insisto y dado que disfruto en la tarea, sigo adelante y no me dejo contaminar por las dudas.
¡Que malo es dudar!”

 

05 de Febrero del 2013

 

http://blancaoraa.blogspot.com.es/2013/02/cartones-intervenidos-2.html

 

 

     Esperpento es un género literario creado por Ramón del Valle-Inclán, escritor español de la generación del 98, en el que se deforma la realidad, recargando sus rasgos grotescos, sometiendo a una elaboración muy personal el lenguaje coloquial y desgarrado, es lo que nos dice la  Real Academia Española.

      Videoarte, instalación, performance y todas aquellas acepciones que queramos ponerle a lo que ella hace es la parte que más me ha interesado de su obra, pues de esta forma nos acerca a su mundo a su vida. Casi cada día nos cuenta una historia, vemos como va aprendiendo a divertirse con la imagen y sus deformaciones. Está creando un nuevo género de diario, pues en él vemos su recorrido su vida y su arte en fotogramas, unas veces grotescos, pero la mayoría muy divertidos y desprovistos de todo pudor, pues nos presenta a sí  misma como una mujer simple y sencilla, sin ataduras morales ni artísticas, en ellos podemos ver a un ser libre y comprometido, en definitiva una artista que se forma día a día para dejar un importante legado a la humanidad.

    Quisiera terminar este repaso por la obra de mi amiga con una cita suya:

 

 

 

Las grapas significan la respiración que es la que hace que mi vida siga adelante llena de bendiciones.

3/feb./2013

 

http://blancaoraa.blogspot.com.es/2013/02/cartones-intervenidos.html

 

     Espero que tenga grandes éxitos con su obra, pero lo que sí es verdad, es que lo que tendremos siempre es su testamento vital y visual y su fuerza y capacidad de abstracción.

 

 

                       Juan Antonio Sánchez Hernández (juanas)    a 17 de Febrero   del    2013

 

 

 

 

  ESCRITO POR ELLA EN SU BLOG     EL 18/02/2013

 

 

 

Hoy sería ideal para mi publicar el texto que Juan Antonio Sánchez ha escrito sobre mi proyecto actual y sobre mi obra en general, tras una puesta a punto de los enlaces para que resulte cómodo y práctico, pero mientras hago ese trabajo, adjunto el texto tal y como me lo han entregado.

 

Es un texto trabajado por un artista, crítico y poeta que se fijó en mis cartones cuando empecé a publicarlos en red de libro de artista  y poco a poco, a través de un diálogo, nos pusimos de acuerdo para que él escribiera.


Pienso que ha definido mi “Autobiografía en cartones ” de una manera directa, concisa, sin complicaciones, tal y como yo la entiendo.

 

 

EPÍLOGO

 

 

En este segundo acercamiento a Blanca y su obra, no he querido profundizar en su factura, ni tan siquiera en su estilo, solamente he nadado en las someras aguas de sus escritos, de sus declaraciones, del como y el ¿por qué? de su evolución, de su búsqueda como artista.

Ella nos enseña su obra, su vida y el desenlace de todo esto, escribo esto después de esperar las correcciones que debieron llegarme de mi análisis, y partiendo de la base de que todo le ha parecido correcto paso a cerrar este libro, sirviendo de colofón a todo el conjunto. Solo quisiera recalcar que me queda un sentimiento agridulce al no haber podido acercarme más a su obra pictórica que me ha hecho vibrar y sentir nostalgia de otros tiempos que ya no volverán. Desearía que se sentara algún día y siguiera pintando esas playas, esas rayas. Que nos acariciara la brisa marina, esa que solo ella sabe plasmar,  esa que solo nos puede transmitir esta vasca internacional. Gracias Blanca por dejarme acercar a tu obra.

 

 

 

                      Juan Antonio Sánchez Hernández (juanas)    a 19  de Febrero   del    2013

 

 

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PECES SOLUBLES

juanas | Lunes, 18 de febrero de 2013 | Sin comentarios |  |

 

Tengo en mi estudio un enorme pez azul, es un pez frío y seco, muy áspero al tacto su gran ojo amarillo lo escudriña todo, se revuelve contra mi pero no puedes morderme (le digo), carece de boca.

Mi pescado está a punto de serlo (pescado), sedales lo tienen atrapado y lo alzan con fuerza hacia la superficie, donde la luz se parte en infinitos violetas, allí se pierden mis añiles, mis cobaltos y mis ultramares, mi creación se va, se eleva con fuerza para escapar de mis pinceles, ya no podré frotar nunca mas su piel para hacer brillar sus plateadas escamas.

Bretón me ha dado la oportunidad de ver a ese pez soluble justo antes de desmembrarse, en el preciso momento en que el pescador lo atrapa y tira de él para sacarlo de sus sueños.

Los azules turquesa y  de prusia quedaran solos, ni tan siquiera quedaran los tristes celestes desteñidos por el dolor de mi pez, siento que se disuelve y se disipa en el gesso.

Queda poco para que mi pez vuele solo y comience una nueva vida, ya veo como se va descomponiendo, se está multiplicando en infinidad de pequeños animales alados y vestidos con sedas y ricos brocados. Mis peces ya no son mis peces, han crecido y van a ser devorados sin que yo pueda hacer nada. Que Dios guarde a mis pescaditos y a todos los peces solubles que hay en el mar

 

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HOJAS DE PLATANO

juanas | Martes, 8 de enero de 2013 | Sin comentarios |  |

 

 

 

 

Libro colaborativo. Patricia Herbón (Argentina) creó la imagen y el papel y yo el texto con su respectivo papel y el ensamblaje.

 

  

 

 

                                                  HOJAS DE PLATANO

 

 

 

 

     Eran los primeros días del invierno, en plenas navidades, paseando por el maravilloso y descuidado bosque de la Alhambra y buscando hojas de plátano que cupieran dentro de mi cartera para que no se estropearan. Hojas secas nervadas y perfectamente recortadas. Hojas muertas sin rastro de vida por ninguna parte, ni interna ni externa. Hojas que el viento había amontonado a los lados del camino. Hojas que no cayeron a la acequia ni fueron pisoteadas por los viandantes que paseaban por la penumbra de la triste vegetación.

   Necesitaba dos brácteas identicas para pegarlas en sendos libros de artista que pensaba confeccionar, me habian llegado las ilustraciones de Argentina y debía de crear un texto para ellas.

   Pareciera que podía ir por buen camino, ya lo habian visto dos personas, como siempre mi mujer Conchi, pero esta vez había sido su sobrina Carmen Millán la encargada de transmitirme las sensaciones que le aportaba aquello que veía por primera vez. Era su primer contacto directo con este mundo del arte, era la primera vez que veía mis obras y parecía entusiasmada por la variedad y cantidad de cosas que descubrió en la casa.

   La puse en antecedentes y le pregunte todo cuanto pude sobre las vibraciones que le había aportado aquello que tocaba y veía, para que así pudiera yo comenzar una historia para ilustrar la poesía de múltiples colores y formas que me había mandado mi amiga Patricia.

   Fantástico fue el resultado, vio y mucho, me transmitió todo lo que percibió de ese libro, los sonidos que yo no había escuchado, las tonalidades que habian quedado veladas por mis cansados ojos, el olor que llegó hasta su virginal nariz. Fue todo un descubrimiento, la comunión entre ella y el libro me dejo totalmente desarmado. Ella será la verdadera artífice de la ficción que os contaré después de abrir todo el abanico de posibilidades que desplegó sobre mi mesa.

  En su peculiar “Brain storm” me contó ideas sueltas, pero muy interesantes. Carmen que a sus veinticuatro años apenas había tenido contacto con el arte en vivo y mucho menos conmigo supo desgranar la margarita de estímulos visuales de un modo totalmente distinto a lo que yo hubiera imaginado, fue un maravilloso descubrimiento, ver como emanaban y fluían sus palabras acerca de aquello que había conocido por primera vez, y que tan especial le parecía.

   Voy a presentar tal cual me vertió sus ideas sin modificar nada, para que se sepa cómo una persona ajena a este especial juego de “cadavre esquís” describió lo que su sensibilidad le aportó en aquel momento y justo después de conocer de primera mano un mundo sensorial que nunca imaginó.

   Sólo le conté cómo era el evento y cómo funcionaba, y por supuesto después de ver todos mis libros de artista y una gran cantidad de obras plásticas de mi producción y de algunos amigos, como ya había dicho. Le presento el libro y acto seguido le interrogo para que me diga todo lo que siente, lo que ve mientras yo lo transcribo todo a una hoja, puesto que le comento que quiero hacer el texto apoyándome en sus ideas y que por supuesto hablaría de ella en mi historia. La lista que os pongo a continuación fue el resultado que conseguí.

 

 

 

 

  1  JUEGO PATAPÓN  (juego mitológico)

  2 CULTURA MAYA, ES TODO MUY ETNICO

  3 ARBOL CON VIDA, Y QUE NOS PRESENTA SU PROPIA AUREA

  4 ATRAPASUEÑOS

  5 PUEBLOS INDIGENAS

  6 PROTECCION QUE NOS BRINDA EL AUREA

  7 EL PAPEL LE LLEVA A RECUERDOS DE SUS PRIMEROS AÑOS

  8 LOS DISCOS LE RECUERDAA LOGOTIPOS DE PROTECCION

  9 LOS DISCOS NEGROS LA LLEVAN AL MUNDO DE LA BRUJERIA, DE LA 

           MAGIA

 10 LOS COLORES LE TRANSMITEN PAZ Y TRANQUILIDAD, PERO TAMBIEN

          ALEGRIA

 11 le pregunto por los atrapasueños

     SON AMULETOS QUE SE LLEVAN LOS  SUEÑOS MALOS Y SOLO NOS   

          DEJAN LA BUENA ENERGIA.

 12 Le pregunto por el significado que para ella tiene este intercambio.

      EL LIBRO ES EL REFLEJO DE LA VIDA DE LA CREADORA, Y QUE YO LUEGO REFLEJARÉ LA MIA EN EL TEXTO.

 13 COMO COLOFON DE TODO ME DIJO QUE LE PARECIA OTOÑAL Y AÑEJO

            EL LIBRO.

 

  Días después repaso el contenido de la charla y comienzo a conectar los tres vértices de este triangulo, con el fin de lograr una buena sinapsis para que podamos unir estos tres vértices en una bonita pirámide con un cenit único, alto y muy fuerte, que nos dé energía para sobrevivir este largo invierno que estamos pasando en el hemisferio norte.

     El árbol, todos los árboles, mi árbol, este que tengo en mis manos está vinculado a la riqueza simbólica del “árbol de la vida”, presente en muchas  culturas y religiones de todo el planeta. El árbol de la vida es un árbol central, cósmico, eje del mundo y de mi libro, porque su savia es la luz, sus frutos me dan la felicidad, su sombra nos regala fertilidad y se renueva cada año para nosotros, convirtiéndose así en un ser nuevo y mas vigoroso.  Por medio de él se establece la unión entre lo tangible y lo intangible, su influencia comienza en el suelo, incluso mas abajo, muy adentro de la corteza terrestre y se extiende hasta lo más alto del firmamento.

   La Alhambra no es sólo la culminación del arte que la presencia musulmana dejó en Al-andalus, es además y ha sido a través de los siglos un gran jardín, un pequeño bosque donde arquitectura y vegetación alcanzan un equilibrio  perfecto, la armonía se deja sentir por todos los poros de nuestro cuerpo. Los efectos sonoros, olfativos y visuales conseguidos entre agua y plantas son una invitación para todos los sentidos. El bosque de la Alhambra se sitúa en la falda de una colina, dominando el paisaje y configurándolo. Además se encuentra en un recinto amurallado y protegido por una amplia zona boscosa. Nadie puede penetrarlo sin ser autorizado y hoy es mi bosque, soy su amo y señor. El agua siempre está presente recorriendo su corazón, regando los huertos con acequias, sugiriendo mil y una historias a cada paso que damos. Pasos cortos, en un caminar suave para no despertar a los espíritus que aun recorren sus estrechas veredas haciendo crujir las maravillosas hojas de acanto que deleitan nuestras pupilas, en este entramado de capiteles corintios.

    En la dehesa del Generalife me encontraba frente a una edificación compuesta por pequeñas retículas a modo de enjambre, pero cuadrangulares, había infinidad de inscripciones, la tipografía variaba mucho e incluso el color de ellas, los tamaños, el color de cada una de las fachadas era diferente, además el sol se reflejaba sobre ellas y me era muy difícil de distinguir de qué se trataba realmente, estaba todo muy caótico, había macetas en muchos de los alfeizares de las ventanas, pero todas muy descuidadas, algunas a punto de caerse. Pero algo muy curioso que luego pude comprobar fue que las calidades de la construcción era excelentes, apenas habían alguna línea sinuosa, todo estaba a escuadra, menos los tejados, que eran de teja árabe y nada tenia que ver con las lujosas fachadas que estaba contemplando.

   La calle en la que estaba de pie observando la extraña edificación no estaba asfaltada y era de tierra rojiza muy habitual de la zona en la que me encontraba. (“Alhambra” en árabe es “al-Ħamrā” (اَلْحَمْرَاء, ‘la Roja’), procedente del nombre completo “al-Qal’a al-hamra”). A mi espalda había un pequeño árbol alto, enhiesto, perennemente verde y de gran longevidad, desprendía un suavísimo y agradable olor, que hay quien lo denomina como el “olor de la santidad”. Hace unos minutos que sé que a esta escultura viva se le denomina el árbol de la vida, pues allí estaba yo en el Cementerio de San José, frente a unos nichos familiares y curiosamente, o no tanto a mi espalda estaba mi nuevo descubrimiento, este árbol que siempre que puedo tocarlo le arranco unas hojitas para disfrutar su olor a lima-limón, a resina,  a verde y que luego deja pegajosos mis dedos por un buen rato.

    Dos meses después de aquellos momentos he vuelto a ese especial bosque, donde viven los cipreses más legendarios de la España islámica, el del Generalife, donde los altivos árboles, con más de seis siglos de historia y 30 metros de altura, constituyen una doble pared natural, siempre verde. Allí estaba paseando, disfrutando de la melancolía del otoño, de las tonalidades rojizas que le arrancaban las copas más altas de los plátanos al sol. Allí volvía a rememorar mis días, mis años pasados, mis sueños, mis miedos…

     Selecciono hojas de “Platanus orientalis”, ese árbol que encarnaba para los griegos “La Paz” y era bajo su apreciada sombra donde Sócrates reunía a sus discípulos para impartir las clases. También era el lugar escogido por mí para recolectar un pequeño adorno en el libro que tenía que crear para la ilustración de mi amiga Patricia Herbón que con tanto amor me había creado y mandado desde Argentina. Libro que pudo ver mi sobrina en primicia haciéndome disfrutar con su mirada limpia, libro que posee la belleza de la sencillez, y la profundidad del trabajo honesto y serio.

  Ya tengo el libro terminado, ese frutal me ha regalado momento de placer, ratos de melancolía, pero sobre todo sensaciones nuevas, también he aprendido algo sobre la vegetación de mi tierra, de sus orígenes y he podido conocer a alguien desde una nueva perspectiva.

  Desde ahora estos dos libros descansaran en los anaqueles de dos personas que no se conocen y a miles de kilómetros de distancia. Las frutas que me regala descansarán para siempre en las bonitas cestitas hábilmente urdidas por manos artesanas, mientras que espero que las que cuelguen de sus ramas permanezcan allí año tras año para poder seguir recogiendo su fruto y el fruto de los árboles de mis amigos y seguir componiendo sinápticos libros.

   

 

 

 

 

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FLUXUS EN GRANADA “Música y acción”

juanas | Domingo, 23 de diciembre de 2012 | Sin comentarios |  |

 

 

 

 

                ¿Qué es fluxus Juan? Esta es la pregunta que me hace Paco cuando estaba viendo una postal de Navidad creada por mí para mis amigos. Rápidamente y sin pararme a meditarlo le contesté altaneramente: “Fue una forma de arte en la que todo se podía hacer, un arte sin límites ni restricciones”.

   Días después y por unas circunstancias que más adelante comentaré me vuelvo a encontrar con este modelo, con esta palabra, pero antes quiero poner una pincelada académica sobre este movimiento tan especial como discutible, pero sobre todo por la filosofía interna que encerró.

   Fluxus fue un movimiento creado por George Maciunas en 1962 y que reunió a más de medio centenar de artistas plásticos, músicos, poetas y performers bajo consignas cercanas al surrealismo y al dadaísmo (1).

   Como indica su nombre “fluxus” – flujo, en latín – era un continuo dejar correr en libertad ideas y obras. Quería ser una nueva forma creativa diferente a todo lo conocido, querían que lo irracional formara parte de su obra y que el propio observador pudiera incluso interactuar en el resultado final para lograr una nueva dimensión. En definitiva que cada obra se reinventara en cada momento y en cada lugar.  

    Su forma de exponer y crear su arte era la de reunir un grupo de amigos y realizar proyectos concretos en Estados Unidos, Holanda, Alemania, Francia, Suecia, Dinamarca, Japón…

    Tomando esta base mas consensuada y pragmática de este movimiento al que pedí prestado su nombre para cerrar esta postal y proteger mi propia creación, pensando que con esta estampilla de goma que utilizo para el “mail art” estaría resuelta la provocación o la crítica más suspicaz, ya que las obras fueron repartidas en La Escuela de Arte de Granada.

   En mi bonita ciudad hay un maravilloso museo, situado en el casco histórico de la capital, junto a la Encarnación, esa catedral que tantas horas y días hemos compartido en mi búsqueda de la belleza, ya sea dibujándola o escribiendo sobre mis tardes de verano sentado sobre su falda mientras ella me abanica con su alargada sombra.

       En este Centro llamado José Guerrero hay una exposición /concierto, llamada “Música y Acción”, y que consta de 40 piezas para instrumentos varios, como celebración, o más bien como homenaje de recuerdo por el centenario de John Cage (2) y el 50 aniversario de fluxus. Hace un recorrido comenzando a finales del siglo XIX hasta los años setenta, en un ambiente cálido y sensual, donde sólo se permite tocar y jugar con lo que allí encontramos. Debemos de involucrarnos en los conciertos, necesitamos introducirnos en las obras, intervenir en ellas para que de esta forma, con nuestro aporte conseguir el resultado final que proyectaron sus autores. La acción sonora, la música que nos envuelve desde que penetramos en el recinto, hace que disfrutemos desde ese instante de este modo de expresión, de tal forma que nunca imaginé que ésta pudiera ser tan vulnerable a la acción del individuo como parte del total, y por supuesto del resultado final.

    Éramos un exiguo pero muy interesado número de alumnos de mi escuela, abanderados por Mª Ángeles Jiménez, a las siete de la tarde nos tenían preparada una visita guiada por las instalaciones, para que así conociéramos y disfrutáramos de todo lo que allí había, desde un punto de vista diferente al que pudiéramos llevar preconcebido. Nunca pudimos imaginar cuánto de diferente es aquello, quieto, vacío y apacible como yo me lo encontré un día después al que fui para tomar algunas notas y poder relatar esta fantasía musical desde un plano mas formal.

   Después de atravesar la nazarí plaza de Bib-Rambla, llegamos a la calle Oficios e inmediatamente estábamos ya en el Centro llamado José Guerrero, ya muy visitado por mi en diversas ocasiones. Como ya había comentado nos disponíamos a ver una exposición temporal, pero todo fue muy diferente, pues no sólo vimos, que así fue, sino que lo más importante era el aspecto sonoro y musical del evento, sumado a la necesidad de interactuar con los elementos allí presentes.

   Al penetrar en la primera sala nos encontramos con un magnífico piano Alemán Grotrian-Steinweg, una especie de embudo metálico de grandes dimensiones soportado por un trípode y justo debajo de él un tren de madera de siete vagones. A un lado de este una caja con bolas de madera algo más grandes que pelotas de ping pong y numeradas del uno al 88 y una pizarra. En los lados de la puerta y dándonos la espalda se encontraban dos monitores de televisión.

    Imponente el negro y brillante instrumento, magnificado por las dimensiones de la estancia y el número de asistentes que lo rodeábamos y por la expectación que despertaba todo aquello que nos rodeaba.

    En pocas palabras el responsable de difusión y educación del museo Don Pablo Ruiz nos explicó cómo nos llevaría a explorar el mundo que ante nosotros se abría. Él preguntaría en todo momento y esperaba respuestas. Siempre pediría voluntarios para ayudarle a ejecutar las obras para que así pudieran ser representadas tal cual las diseñaron sus creadores y poder disfrutar plenamente de la exposición/concierto, cosa que pude comprobar personalmente al día siguiente, como ya he contado.

    Pidió un voluntario, y nadie se presentó, así que me armé de valor y me presté a contribuir a algo que aun no sabía de qué se trataba, deje mi chaqueta y mi sombrero en el suelo y me dispuse a cooperar en todo lo que pudiera, que en este caso se trataba de mover el tren por debajo del gran embudo mientras el echaba las bolas dentro, repartiéndose todas ellas entre las siete vagonetas. Terminado esto exclamé con voz gutural muy impostada, pero solemne, muy solemne ¡estridente! Pasado el primer silencio y desvanecido  mi grito y de la vuelta a la calma de la sala después de tamaño estruendo de sonidos, pasó a explicarnos el siguiente paso, que sería el de anotar las bolas de una caja cualquiera en la pizarra y en ese orden se interpretaran al piano. Ya hemos dicho que había ochenta y ocho esferas numeradas, que concuerdan exactamente con el número de teclas del instrumento que va a interpretar la pieza. El modo a leer la improvisada partitura era libre, sólo se debía seguir el orden de pulsaciones, dejando libertad par el uso de los pedales (tres en esta ocasión por ser de “cola”), y así fue cómo se interpretó la pieza  “La Mariée mise à nu par ses célibataires, même” de Marcel Duchamp, datada en 1913.

    Después de aclarar algunas dudas y comentar la actuación, pasó el señor Ruiz a aclarar que si el solista hubiera utilizado los pedales, hubiese conseguido lucir más la pieza. Hubo un pequeño debate sobre cómo y el por qué de las diferencias, cosa que no pudo aclarar de forma convincente, así que buscó entre los asistentes alguien que fuera capaz de tocar nuevamente las piezas, pero esta vez apoyándose también en los pedales.

    En esta ocasión entono el “mea culpa”, me tuvo que convencer con la experiencia de escucharlo de nuevo para demostrarlo, pero sobre todo para convencerme a mí. Yo no sabía cómo se podía cambiar tanto el resultado con sólo manipular hábilmente el pedalier y así se lo hice saber. Realmente sí que cambió todo, aunque no resolvió mis dudas sobre cómo interactuaban estas palancas con las teclas, para poder comprender realmente los cambios en el resultado final.

     Al día siguiente, en el que me encuentro escribiendo esta experiencia, mis inquietudes me hacen estudiar y acercarme a las posibilidades de este apoyo que tiene el piano y las comparto con vosotros:

     El pedal derecho sirve para ampliar el sonido y que suene más ligado y fluido.
     El izquierdo sirve para todo lo contrario, apaga el sonido y se conoce como U.C (una corda), cuando lo accionas sólo suena una cuerda.
     El del medio se llama sostenuto y su función es la de mantener el sonido (la nota que hayas tocado seguirá sonando, aunque sueltes la tecla, mientras tengas accionado dicho pedal).

   Con esto termina la primera obra  con el estruendo de las bolas golpeando en la madera y los maravillosos sonidos del piano retumbando aún en nuestros oídos, así que pasamos a ver dos videos, uno de  Erik Satie, “Vexations”, interpretado por John Cage, y otro de Henry Cowell  “The Banshee”, interpretado por Joan Cerveró y  Víctor Trescolí.

    Muy interesante, sugestiva y profunda esta primera sala; pero sólo hay un problema, algo que no encaja y me deja triste, un tanto apagado, algo que sólo unos días antes había estado estudiando con gran interés y que por supuesto expuse: ¿Cómo es posible que después de escuchar música y sonidos varios en directo, pusieran dos videos musicales con los altavoces integrados de los monitores? ¿Cómo se podía disfrutar de esas dos piezas faltándoles tantos  armónicos? Me confesó cortésmente que estaba todo dispuesto así, y que efectivamente tenía razón, pero no se podía hacer nada, excepto que fuera unos días concretos en que se tocaban las piezas directamente sobre el piano.

     Me interesaba mucho este tema que he tratado sobre la calidad de la música, sobre estos “armónicos” a los que me he referido anteriormente, pues en un programa de radio escuche por primera vez esta cualidad que paso a comentar someramente.

     Se denomina serie armónica en música a la sucesión de los sonidos cuyas frecuencias son múltiplos enteros positivos de la de una nota base, llamada fundamental.

    En una teoría simplificada del timbre musical, cada uno de los sonidos de la serie armónica es un componente del timbre o color del sonido representado por una nota cuya frecuencia es la del sonido fundamental. A los sonidos de la serie armónica, componentes del timbre, se les llama sonidos armónicos o simplemente armónicos.

    Una nota hace 12 armónicos, porque pone en resonancia las 12 notas de la escala musical (con medios tonos y sostenidos).

    Por definición, el sonido digitalizado pierde información. Cuando se crea un CD, el sonido analógico se muestrea a 44100Hz (es decir, se toman 44100 muestras por segundo) y se limita el rango de frecuencias (16 bits, ó 2^16 = 65536 valores distintos), lo que provoca que la calidad de sonido se reduzca y no suene tan natural. Por tanto, la música afinada a 440 Hz es música muy pobre, como la que nos encontramos en la muestra, que además se amplifica por el corte abrupto del piano a la música digitalizada y grabada en el año 1960 y 1961 respectivamente que es la que nos presentan como muestra, y que agradezco, pues es muy difícil poder ver y oír esto, y además que te lo presenten todo tan bien envuelto y preparado para ser disfrutado en la forma que quizá ellos hubieran querido.

   Como nota curiosa destaco que: La frecuencia del planeta Tierra es de 8 Hz. Las ondas alfa, la frecuencia del cerebro en estado de relajación profunda, son ondas a 8 Hz. Afinar a 440, hace que la base no sea 8, sino 8’25, lo cual significa que los armónicos que generan no son armónicos con el planeta.

    En definitiva es lo que burdamente quise expresar al guía de la exposición y al resto de mis compañeros.

    Como había relatado, me interesó el tema unos días antes, y fue tanto mi interés,  que buscando información, descubrí que el propio Steve Jobs, padre del primer ordenador personal (el Apple I) y fundador de Apple Computer tenía en su casa un reproductor de discos de vinilo, junto con una gran colección de ellos, pues amaba la música, y por tanto le gustaba escucharla con la máxima calidad posibles, es decir sin perder “armónicos”, porque el ser humano funciona en un rango de frecuencia que va de 16 a 32 Hertzios, lo que equivale en la escala musical, del do al do, o sea, una octava, y así quería él disfrutarla.

   La primera alteración física que podemos notar cuando llevamos un rato escuchando música a 440 Hz , es cansancio, fatiga, ganas de no hacer nada, y esto sucede porque los armónicos de la música no encajan con la frecuencia vibratoria del ser humano y esto nos hace sentir inseguridad, miedo, angustia y desorden interno.

   Con esto no quiero decir que sintiera ninguno de estos desórdenes, puesto que el tiempo fue extremadamente corto para poder llegar a esto, pero si lo suficiente para no llegar a disfrutar en su plenitud los acordes interpretados.

   Finalizada esta maravillosa experiencia y después de subir a la primera planta por unas magníficas escaleras diseñadas en escorzo y con peldaños de fina madera pulida,  

pude disfrutar de infinidad de experiencias sensoriales, como fue Nam June Paik “One for Violin Solo”, en el cual vemos como destroza un Violin delante de los espectadores. Preguntados por los significados, hubo varias respuestas, que no voy a describir aquí, pero conceptualmente, lo que quería transmitir era que esa intervención formaba parte de los sonidos, de la música, una música única e irrepetible y de la que ya formábamos parte.

   Interesante la propuesta de George Brecht’s, con su propuesta de: “Motor Vehicle Sundown. Motor Vehicle Sundown”. Me sorprendió  claramente por lo arriesgado, pero sobre todo que en el año 1961 pudiera reunir gran cantidad de coches y artistas para interpretar esta maravillosa y sutil Performance, auténtico arte en movimiento.

   Posteriormente pasamos a otra localización de la sala, donde se encontraba una mesa llena de juguetes, 24 pude contar, unos eléctricos, pero la mayoría eran para manipularlos manualmente, se necesitaban tres voluntarios para realizar esta nueva actividad, que nos invitaba a realizar Alice J. Benham de la mano de nuestro ya entrañable guía, y se trataba de interpretar una pieza musical concebida como un juego de números que coincidían con las letras de su nombre, con los cuales hizo una partitura de tiempos e instrumentos elegidos por los interpretes, en este caso fueron los propios visitantes.

   Divertido hasta decir basta, no puedo saber cómo fue el sonido, estaba muy preocupado en poder hacer algo, contar tiempos, elegir juguetes, aprender a jugar con ellos, un maravilloso y lúdico momento rememorando mis niñez y con la libertad absoluta que da la edad y el aplomo de mi analfabetización musical. Juego recomendable y liberador. Rememoro ahora mis recuerdos del día de los Reyes Magos, esas maravillosas vivencias de la Epifanía del Señor que llevamos todos en nuestro interior.

    El siguiente paseo fue acuático y nos lo dio John Cage, en su  performance “Water Walk“, donde pudimos interpretar los sonidos del agua y de los fluidos ya libremente y con más soltura, por la complicidad que nos daba el interlocutor. Cada vez éramos más los que participábamos en los debates, con la lógica diversidad de opiniones, enriqueciendo los contenidos finales.

    Al pasar a la siguiente estancia, descubrí algo fascinante para mí, algo que nunca había visto ni oído, se trataba de “Experimental Music”, de  John Cage  “ 4′33″.

   “La pieza puede ser interpretada por cualquier instrumento o conjunto de instrumentos. En la partitura, con una única palabra, “Tacet”, se indica al intérprete que ha de guardar silencio y no tocar su instrumento durante cuatro minutos y treinta y tres segundos. Aunque comúnmente se considera que se trata de “cuatro minutos y treinta y tres segundos de silencio”, algunos teóricos de las vanguardias musicales consideran que el material sonoro de la obra lo componen los ruidos que escucha el espectador durante ese tiempo. Con el paso de los años 4′33″ se ha convertido en la obra más famosa y controvertida del autor.

   En principio, la composición no guarda nada que pueda parecernos espectacular en sí misma, pero lo que me llamó la atención fue la cámara anecoica que se adjunta a la partitura, y que él mismo relata a continuación.

   El compositor estadounidense John Cage cuenta en un libro que en cierta ocasión, entró en una cámara anecoica, un recinto de laboratorio diseñado para realizar experimentos en un ambiente en el que no se produce ningún sonido. Si uno habla en el interior, la sensación es  que las palabras tienen peso y caen desplomadas al suelo.
   Cage escuchó con toda atención y llegó a la conclusión de que, a pesar de todo, oía dos sonidos, uno grave y otro agudo. Cuando preguntó a los científicos, éstos le informaron  que el sonido grave era su propia sangre circulando y el agudo su sistema nervioso en funcionamiento. Cage llegó a la conclusión de que “El silencio no existe”.

    Después de todo aquello, las situaciones serían de lo más variopinto, pero realmente, yo creo que todos estábamos tan influenciados por el espíritu de aquellos personajes, que ya nada nos llegó a impresionar, era como si estuviéramos abducidos, pasábamos de una estancia a otra sin apenas inmutarnos.

    Comentamos algunas obras, pero ya sin mucho entusiasmo, es más, el mismo “Pendulum Music” de Steve Reich nos sumió aun más en ese letargo que arrastrábamos escaleras arriba, hasta que finalmente interpretamos una obra con papeles vegetales al ser rasgados, golpeados, arrugados y tantas cosas como se nos ocurriese hacer.

   Este fue el maravilloso paseo efectuado por los mundos de John Cage y el  fluxus en Música y Acción. Exposición/concierto de 40 piezas para instrumentos varios en Granada en el año 2012.

  Ahora entiendo un poco más este movimiento y por supuesto lo llevo más dentro de mí, nunca más volveré a decir: “Fue una forma de arte en la que todo se podía hacer, un arte sin límites ni restricciones”. Es algo mucho mas profundo, es la unificación de las artes, es el arte en movimiento y vivo…

 

 

 

   


 

 

     1)   El Dadaísmo surge con la intención de cambiar todo lo conocido en el mundo del arte. Es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético, ya que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía, lo cuestiona todo por sistema. Se presenta como una ideología total, como una forma de vivir, sin importarle nada todo lo aprendido.

   Está en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal. Los dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección.

   Proclaman el anti-arte para utilizarlo como protesta, como único vínculo para lograr el shock, el escándalo y la provocación. Se sirvieron del montaje de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano.

El origen del término Dadaísmo es confuso. La versión más aceptada dice que al abrir un diccionario al azar apareció la palabra dada, que significa caballito de juguete, y fue adoptada por el grupo.

  El movimiento dA-dA nació en un café de Zurich en 1916, allí se recitaban poemas y se reunían representantes de diversas escuelas como el expresionismo alemán, el futurismo italiano y el cubismo francés. Por esto se le conoce y es donde se le da más valor al movimiento como cuestionador del concepto del arte, y no como destructor del orden anterior.

 

 

 

   2)   John Cage es una de las figuras más importantes del arte contemporáneo, no sólo por sus innovaciones en el campo de la música sino como pensador, escritor y filósofo. Nacido en los Estados Unidos de Norteamérica el 5 de Septiembre de 1912.

   La faceta más particular que va a convertir a John Cage en uno de los grandes innovadores musicales de este siglo y que lo va a apartar de la tradición Europea, es la búsqueda de la “obra abierta”. Para Cage la obra de arte se tiene que abrir a la vida, y esto trae como consecuencia la creación de obras en las que el artista se hace a un lado y deja que los acontecimientos que existen en ellas tengan lugar simultáneamente, sin que interfieran unos con otros. Para lograr esto él compone su música usando técnicas de azar que determinan cada nota, cada ritmo y cada silencio de sus obras. Consiguiendo así que las emociones surjan no de ellas, sino de la gente que las escucha y del contexto y lugares donde estas fueran reproducidas.

   Cage perseguía involucrar al espectador con una forma de expresión que lo acercara a la vida através de su filosofía de la “no intención” (es decir que lo que sucede esta abandonado al azar, y no se pretende comunicar algo determinado). No quería meros espectadores, pretendía implicar al público en la obra, que la composición final fuera  una obra nueva y fresca.

 

 

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DIVINA COMPOSICIÓN

juanas | Sábado, 15 de diciembre de 2012 | Sin comentarios |  |

 

 

“Divina composición” fue la respuesta fría y amable pero llena de generosidad de Mª Ángeles Jiménez al solicitarle un titular sobre el tema de debate. Esas fueron unas palabras profundas, pero muy sopesadas y meditadas, declarando así su académico punto de vista. Con esta exclamación y con un semblante sosegado y sobrio me interrogaba con su mirada, esperando una salida de tono mía o quizá algún menosprecio por tal análisis. Nunca sabré qué le transmitió mi cara, mi gesto, pues lo escondí inmediatamente para no descubrirme, puesto que sé a ciencia cierta que soy muy expresivo e incapaz de reprimir mis instintos más primitivos.

“Divina composición” fue el principio de la historia, pues estábamos en clase y estudiando el siglo XX. Además hacía sólo unas horas que había leído ella una reflexión mía sobre “De lo espiritual en el arte” de Kandinsky.

Con esta sentencia, y desde este punto de vista tan reflexivo comienza un sendero curvilíneo como una espiral, una espiral que se eleva hacia la derecha, es decir, girando en el sentido de las agujas del reloj.  Esta simboliza el sol de invierno que se encoge. También fue usada para invocar al elemento del agua o señalizar fuentes potables y era símbolo de buena suerte ya que representaba el equilibrio, la armonía del sol con la tierra.

No es casualidad, que pueblos como los celtas representaran las estrellas a modo de espirales alrededor de un mismo núcleo (lo que para ellos era el emplazamiento del cielo), formando una trayectoria espiral en la cual las almas ascendían hacia su vida futura. Es curioso que este símbolo también aparezca en otras culturas como la hindú, los aztecas, mayas, incas…representando diferentes conceptos según la civilización.

Las espirales son formas muy comunes en el universo, su presencia se percibe desde una trivial cinta enrollada hasta trayectorias de objetos en gigantescos aceleradores de partículas y entornos de agujeros negros. En el ámbito cultural es un icono mágico que trasciende, no sólo lo concreto y conceptual sino la misma imaginación conjugando puntos opuestos como pasado y futuro. La Homotecia es una operación geométrica, que, aunque no tiene relación directa con la espiral, ocupa un lugar común con ella en el arte rupestre donde aplicaciones e implicaciones de las dos se funden.

Existe una gran variedad de tejidos, urdimbres, cestería, que recurren al enrollado en forma espiral y dan a su vez una infinidad de productos de formas diversas, hermosas y exóticas como sombreros, platos, mesas, jarrones, etc. Incluso en cerámica también se utiliza el proceso de trabajo en espiral para en principio dar forma a vasijas redondas.

Este principio también se pretende utilizar en habitaciones en la luna, donde sólo hay arena, polvo y roca que se rellena en empaques tubulares y luego se enroscan y finalmente se fijan con alambre.

Fue frecuentemente usada en las culturas precolombinas, en Belén se caracteriza por sus figuras de serpientes, suris y sapos con cuerpos reticulados o con cruz. Este periodo se produjo en los departamentos Belén y Tinogasta en la provincia Argentina de Catamarca, a lo largo del río Hualfín. Su desarrollo se produce entre el año 1000 y el 1450 en los valles de Abaucán y Hualfín.

Casualmente, o puede que no tanto, tengo una amiga en  Argentina, se llama Raquel Herbón, ella tiene formación artística y estudió cerámica, esa que sus antepasados decoraban con motivos animales entre otros muchos, pero lo más curioso es que las serpientes pintadas en la alfarería estaban enrolladas sobre sí mismas, como una espiral.

Una frase, “Divina composición”, esto fue el principio de esta exposición, luego proseguimos con las espirales como símbolo y sus significados, y finalmente hemos hablado sobre la relación  de este elemento con las serpientes y la cerámica de  precolombina Argentina, que es la localización de mi creativa colega.

Prosigo la historia con las serpientes, esas que pintaron sus antepasados. Los ofidios son uno de los animales que más admiración y rechazo, a la vez, suscita. Desde la antigüedad este reptil se ha relacionado con la capacidad de transmutar los instintos más básicos (sexualidad, materialismo, etc.) en los más sutiles o espirituales. El hecho de que mude de piel se podría interpretar como un nuevo nacimiento, una nueva oportunidad para poder transformar lo negativo en una nueva forma, más saludable (a nivel espiritual)  de entender la vida.

Mi relación física con ellas se remonta a más de veinticinco años, en aquella época estaba alejado del mundo espiritual del arte, estaba sumido en la vorágine de lo material, mi vida pasaba por importantes cambios económicos, pero había roto con la belleza del arte, y eso siempre me apesadumbraba.

En uno de mis viajes de trabajo, en una carretera secundaria me encontré una en medio de la carretera, había sido atropellada por algún vehículo. Según me comentaron más tarde, era una culebra de agua y poseía unas grandes dimensiones. Me quedé prendado de su belleza, que seguía conservando aun después de muerta y llevar por fuera sus intestinos.

La rescaté de su triste destino y me la llevé, tenía la intención de que me curtieran su piel, pues deseaba conservar tan valioso tesoro en mi armario en forma de cinturón.

Indagué mucho hasta encontrar un lugar donde pudieran hacerme la desagradable labor de quitarle su piel y curtirla. Así fue, ellos me la prepararían, pero antes debía yo de despellejarla y llevarles limpia la cáscara. Con asco, aprensión y la ayuda de un amigo rajamos su vientre, no sin tener alguna que otra arcada, prosiguiendo a quitarle su precioso y escamosos traje.

Años después me casé y este hermoso trozo de cuero adorna un aparador de cristal que está suspendido sobre dos columnas Corintias, y en el que siempre hay botellas de espirituosos.

Finalmente la epidermis de este reptil sólo ha servido para absorber las gotas de alcohol que se han depositado durante el paso de los años debido al desatino del barman. Casi metro y medio de animal de formas sinuosas mirada fría y penetrante que espera ser cortado y cosido para embellecer mi voluminosa barriga y así poder aprovechar los litros de alcohol que nunca albergó.

Este trozo  de piel escamosa hace ya compañía a otra serpiente, a una que está enrollada en espiral, que es uno de los símbolos más antiguos que existen en la cultura celta, y que simboliza el concepto decrecimiento, fuerza vital, expansión y reencarnación que se utilizó como representación del tiempo y del movimiento de las estrellas llegándose a usar incluso en primitivos calendarios. Esta nueva pieza de mi mobiliario, es un libro de artista finamente facturado y al que estoy dando vida en mi relato.

Papel artesano, sobrio y muy armónico, con una portada seccionada en espiral, para indicarnos el camino a seguir, nos predice un mundo lleno de espiritualidad en su interior, como así se certifica al abrirlo.

Un gran círculo en movimiento, una gran nebulosa en rotación que nos absorbe hacia el centro. Un maravilloso remolino de luz y color que hace converger toda la energía hacia su interior y a su vez mantiene en equilibrio a miles de centelleantes estrellas.

Pura energía y amor en una pieza confeccionada por unas maravillosas manos artesanas y limpias, por una persona dotada de una gran sensibilidad y calidad humana.

 

 

 

 

 

Agradezco la inestimable ayuda de la historiadora y escritora Mª Ángeles Jiménez de Albornoz Carrillo, por la capacidad de abstracción y composición que me ha transmitido y por su participación activa en el proyecto.

 

 

 

                                                           Juan A. Sánchez Hernández Diciembre 2012

 

 

 

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AÑO NUEVO, NAVIDAD 2012

juanas | Martes, 11 de diciembre de 2012 | Sin comentarios |  |

 

Postales (18, numeradas y firmadas) para la Navidad 2012
Xilografía, dibujo con tintas y pinturas en papel alto gramaje chino, poesía y dos estampillas. Sobre gofrado “50 aniversario”
Como anillos en el tronco de los árboles 
marcados quedan los años, los días…
cada estación deja su rastro, su tatuaje, su estigma.
   Argollas engarzadas humildes y tristes
un nuevo arete cae como losa sepulcral
   Ungimos y cicatrizamos la última herida
escribimos la historia, una nueva historia.
   Como el abedul, el álamo y el sauce la vida es corta
la vitola se completa pronto y solo queda la paz.
                                             juanas   Navidad 2012

 

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